El proyecto propone un diálogo entre memoria y contemporaneidad, situando en el centro la voz de las mujeres creadoras. La exposición no busca reconstruir un estilo histórico, sino reactivar el espíritu de experimentación, pensamiento y libertad que caracterizó a la Edad de Plata.
Este lunes 3 de agosto se inaugura en la Casa de las Culturas de Bembibre la exposición «Áureas», del colectivo LaborArte, un homenaje a las creadoras de la edad de plata. La exposición se podrá visitar desde el día 3 de agosto hasta el día 26 de agosto siendo la inauguración hoy 3 de agosto a las 18:00 horas. La exposición se articula en torno a la figura de estas intelectuales, mujeres que rompieron con los modelos de representación femenina establecidos y afirmaron su presencia en el espacio público. Su gesto —quitarse el sombrero— se convirtió en un acto de rebeldía y emancipación.En la Fundación Sierra Pambley, en su sede en León, donde arrancó esta exposición, en esta institución vinculada a la Institución Libre de Enseñanza, la muestra adquiere una dimensión pedagógica y ética, alineada con los valores de libertad intelectual y pensamiento crítico.
En las siguientes salidas a la provincia «queremos vincular a nuestra exposición, la vida de las mujeres de la misma época, finales del XIX, principios del XX, Edad de Plata, a las profesionales de nuestros pueblos, para visibilizar y poner en valor el trabajo de estas mujeres».
En el monasterio de Sandoval en Villaverde de Sandoval, han hecho un homenaje a las maestras de los pueblos del ayuntamiento al que pertenece, Mansilla Mayor, leyendo la relación de sus nombres y dando la palabra a familiares que les contaron anécdotas de como habían vivido la profesión esas maestras. Fue un acto muy emotivo y entrañable, algunas habían ejercido en el propio monasterio.
La siguiente salida de Áureas al Santuario de la Virgen de la Peregrina en Sahagún, el ayuntamiento les ha aportado los nombres de las mujeres que destacaron como sindicalistas, concejalas, las primeras mujeres industriales con negocios de gaseosa, quesos, restaurantes, un recuerdo genérico a las agricultoras y algunos nombres de ilustres benefactoras del pueblo.
Para Bembibre, proponen, tal vez, los nombres de mujeres relacionadas con la minería y la salud, pero solicitaron a ese ayuntamiento que sea quien les proponga los nombres y los familiares vivos que quieran intervenir el día de la inauguración, para recordar a las mujeres que pueden vincularse a la exposición.
Presentación del colectivo Laborarte
El colectivo Laborarte nace en enero de 2025 tras diversas conversaciones entre sus integrantes, todos ellos artistas activos en otros grupos de la ciudad de León. Su propósito es generar proyectos capaces de articular un discurso común desde lenguajes diversos, creando obras que dialoguen entre sí desde la perspectiva de género y mediante acciones positivas.
Laborarte es un colectivo interdisciplinar, vivo y en constante evolución. Su vocación es acercar el arte contemporáneo a territorios rurales donde el acceso a estas prácticas es limitado, estableciendo un diálogo entre obra, espacio y comunidad. Lo integran ocho artistas de trayectorias, edades y disciplinas distintas: Cathy Thompson, Silvia Pérez Sanz, Cristina Ibáñez, Ana Campos, Pilar L. Duque, Fernando Tuñón, Elena Campos y Beatriz García.
Su primera exposición, Prendido con alfileres, se inauguró el 8 de marzo de 2025, Día Internacional de la Mujer, y desde entonces ha recorrido diversos espacios patrimoniales de la provincia de León, generando un diálogo entre obra, arquitectura y territorio.
Justificación Artística — Áureas (2026)
La segunda exposición anual del colectivo se inspira en las mujeres de la Edad de Plata, que participaron activamente en la renovación cultural y social del primer tercio del siglo XX y cuya presencia fue silenciada durante décadas. Este proyecto se presenta en el año previo al centenario de la Generación del 27, como antesala de un homenaje que continuará en 2027.
El título Áureas reivindica la excelencia, la valentía y la relevancia intelectual de estas mujeres, cuya trayectoria quedó truncada por la Guerra Civil y la posterior dictadura. La exposición recupera su legado desde una mirada contemporánea, otorgando visibilidad a sus aportaciones y subrayando su vigencia en el presente.
La elección del sombrero como imagen del cartel funciona como símbolo de ausencia, identidad y resistencia. Este gesto conecta a las creadoras actuales con aquellas mujeres que desafiaron los prejuicios de su tiempo, conocidas también como Las Sinsombrero por un trabajo documental sobre ellas.
Artistas y obras
Fernando Tuñón
Presentación
Fotógrafo leonés (1958), Fernando Tuñón desarrolla su trabajo desde una profunda conexión con la realidad inmediata. Su aproximación a la fotografía se fundamenta en la necesidad de capturar el instante como revelación: un modo de fijar estados de ánimo, atmósferas y gestos que, en su obra, se convierten en espacios de conciencia. Su producción, mayoritariamente en blanco y negro, se caracteriza por una mirada sobria y poética que oscila entre el paisaje natural y la vida cotidiana.
Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Palencia, León, Alicante y Asturias, y ha recibido diversos reconocimientos en certámenes fotográficos. Su participación en colectivos como 40D2 y Laborarte refuerza su interés por el diálogo interdisciplinar.
Obra
Su proyecto para Áureas rinde homenaje a Las Sinsombrero a través de siete retratos concebidos como un gesto de continuidad generacional. Las imágenes no buscan reconstruir la estética de la época, sino activar el espíritu de rebeldía, lucidez y libertad que caracterizó a creadoras como Maruja Mallo, Remedios Varo, Ángeles Santos o Leonora Carrington.
Los retratos funcionan como espejos cruzados entre pasado y presente: mujeres de hoy encarnan la fuerza simbólica de aquellas que abrieron camino. El gesto de quitarse el sombrero —acto de emancipación y desafío— se convierte aquí en un puente entre ambas generaciones. Las fotografías, impresas en soporte dibón-aluminio, adquieren una presencia física que refuerza su carácter de manifiesto visual.
Cristina Ibañez
Presentación
Artista multidisciplinar que combina creación, conservación y docencia, Cristina Ibáñez investiga desde hace años la relación entre palabra, signo y materialidad. Su trabajo se articula mediante técnicas mixtas, land-art y procesos colaborativos, con un interés constante por los límites entre lo visible y lo legible. Ha expuesto en España, Europa y Latinoamérica, y su obra forma parte de colecciones públicas y privadas.
Obra — “Metáfora”
Metáfora es una instalación en tres capas que funciona como un dispositivo de memoria. Cada una de sus partes —construidas con tul, papel, malla, seda y materiales textiles— actúa como un velo que revela y oculta simultáneamente. La obra propone una lectura fragmentada de la historia de estas figuras que abrieron camino, mujeres cuya presencia quedó relegada a notas al margen, páginas arrancadas o relatos incompletos.
La primera capa evoca el pasado erosionado: la página ajada donde sus nombres apenas aparecen. La segunda funciona como un velo que deja entrever sus procesos creativos, incluidos errores, tachaduras y descartes, reivindicando la fragilidad como parte del hacer artístico. La tercera capa incorpora textos generados mediante IA, suspendidos como ecos contemporáneos que reinterpretan su legado.
La obra se despliega en el espacio como una cortina de memoria: una invitación a atravesar la historia y a reconocer lo que aún permanece velado.
Obra – “Generaciones”
Está integrado por los lienzos Generaciones e Independencia. Ambas piezas articulan, a través de estratos cromáticos —franjas que recorren la superficie pictórica—, una lectura visual de la sucesión temporal de distintas generaciones de mujeres que, junto a sus contemporáneos, han contribuido de manera significativa a diversos ámbitos de la cultura en nuestro país desde finales del siglo XIX hasta la actualidad.
En estas obras, el color se erige como elemento estructural y protagonista absoluto. La línea, el plano y, de forma puntual, el punto, funcionan como signos que trazan las trayectorias individuales dentro del marco de cada periodo histórico.
La superposición de capas, fundamentada en la simbología atribuida a las distintas tonalidades, construye un campo perceptivo en el que emergen sensaciones de densidad o levedad, así como de acumulación y concentración. La tensión entre sincronía y distorsión articula la lectura del conjunto, proponiendo un diálogo continuo entre ambos lienzos.
La disposición de las piezas no es fija, sino que queda abierta a la interpretación del espectador, permitiendo que cada presentación active nuevas relaciones de sentido dentro del díptico.
Pilar L. Duque
Presentación
Pintora y creadora visual afincada en León, Pilar L. Duque desarrolla desde 2021 una práctica centrada en la abstracción y en la construcción de atmósferas que activan la sensibilidad del espectador. Su proceso es híbrido y experimental, integrando técnicas clásicas y contemporáneas. Ha participado en más de 70 exposiciones en España y Europa, y ha recibido reconocimientos como el Premio de Pintura Abstracta de la AEPE y la selección para el Premio Reina Sofía.
Su interés por la identidad, la memoria y la sensibilidad conecta de forma natural con el enfoque de Áureas, donde la perspectiva de género y la revisión histórica se convierten en ejes de reflexión.
Obra
La serie parte de un archivo de fotografías antiguas que la artista utiliza como detonante para reactivar la memoria desde el presente. Una de las obras introduce un gesto especialmente significativo: las figuras masculinas aparecen apenas insinuadas mediante carboncillo, mientras que las mujeres emergen como siluetas en pan de plata. Este contraste material y lumínico altera la jerarquía visual de la imagen original y desplaza el foco hacia las mujeres, otorgándoles una centralidad que históricamente les fue negada.
En el resto de la serie, la artista emplea carboncillo, lápices de colores y tinta, materiales poco frecuentes en la práctica contemporánea que recuperan lenguajes manuales vinculados a la creatividad y experimentación de las mujeres de la Edad de Plata. La obra se configura como un ejercicio de reinterpretación conceptual que revisa, desplaza y resignifica la memoria visual para situar a las mujeres en el lugar que la historia les arrebató.
Silvia Pérez Sanz
Presentación
Diplomada en Terapia Ocupacional y residente en León desde 1998, Silvia Pérez Sanz utiliza el medio plástico como herramienta de autoconocimiento y exploración del entorno. Su obra aborda temas como la memoria, el tiempo, la infancia y lo femenino, con un lenguaje basado en el collage, la palabra y la imagen. Trabaja con pocos elementos y una paleta contenida, lo que otorga a sus piezas una intensidad silenciosa.
Obra
Su propuesta para Áureas se centra en visibilizar las tensiones que vivieron las mujeres de la Edad de Plata: un periodo de avances sociales y culturales que, sin embargo, seguía imponiendo límites y roles tradicionales. A través del collage y la apropiación de imágenes antiguas, la artista construye escenas donde la ausencia, la fragmentación y el anonimato se convierten en metáforas de la invisibilidad histórica.
Las piezas funcionan como pequeñas cápsulas de memoria crítica: rescatan gestos, miradas y silencios que revelan la complejidad de ser mujer en un tiempo que prometía libertad pero seguía exigiendo contención.
Beatriz García
Presentación
Poeta, es autora de los poemarios Huida de mi (2019) con ilustraciones de Ana Prieto, Instantes (2023) en colaboración con la fotógrafa Divina Quinina y Cantos del abandono (2025) editados por Eolas. Ha participado en libros colectivos, en revistas de poesía. Galardonada con el I premio de concurso hecho con titulares de periódico de la Nueva Crónica de León (2021). Actualmente participa con otros poetas en la elaboración del fanzine Reverso de poesía, de la que es diseñadora.
Obra
Presenta cinco cuadros en torno al mito de Ariadna y tres planchas de metacrilato con poemas de su último libro Cantos del abandono.
La obra dialoga con la tradición de la Edad de Plata, donde la palabra fue herramienta de conocimiento y experimentación formal. La elección de la poesía visual como lenguaje, responde a una forma de pensar la palabra desde el espacio el cuerpo y la percepción.
Elena Campos
Presentación
Artista textil cuyo trabajo nace del contacto con la naturaleza y la exploración de texturas orgánicas. Utiliza malla metálica, telas reutilizadas, lino o lana para crear estructuras que invitan a la contemplación y al tacto imaginado. Su obra se sitúa en la intersección entre lo matérico y lo simbólico.
Obra
En Áureas, cada pieza representa una estructura floral que funciona como metáfora de las mujeres olvidadas de la Edad de Plata. Las formas orgánicas sugieren crecimiento, resistencia y fragilidad, evocando la vida interior de aquellas creadoras cuya presencia quedó oculta bajo capas de historia.
Cathy Thompson
Presentación
Artista plástica que ha trabajado pintura, escultura, grabado, fotografía y diseño. En los últimos años ha centrado su práctica en la cerámica, medio que ha transformado su lenguaje expresivo. Su obra se caracteriza por una sensibilidad que combina fuerza formal y profundidad simbólica.
Su obra ha sido expuesta en España, Europa y Perú.
Obtuvo el primer premio Adolfo Winternitz en la Universidad Católica del Perú y salió finalista en el Concurso Arte y Justicia en la Era de los Datos en León.
Obra
Su propuesta para Áureas reivindica la vigencia del gesto de estas artistas que nos precedieron: desobedecer lo establecido, reclamar la libertad de ser y ocupar un espacio históricamente negado. Cada pieza aporta una mirada distinta, construyendo un mosaico de voces que dialogan entre sí y con las creadoras del pasado. Su obra no repite su legado: lo transforma.
Ana Campos
Presentación
Creadora textil especializada en estampación botánica y tintes naturales. Su trabajo investiga técnicas tradicionales para trasladarlas a un lenguaje contemporáneo, explorando la relación entre naturaleza, cuerpo y materialidad.
Con una trayectoria expositiva, docente, dinamizadora e investigadora prolija en su faceta de creadora.
Obra — “Vestida de bosque”
La obra reflexiona sobre la indumentaria como acto personal, social y político. Presenta piezas de papel estampado y dos vestidos inspirados en los años 20–30, realizados mediante ecoprint. Los estampados vegetales funcionan como segunda piel: una forma de vestir la naturaleza y reivindicar la esencia efímera y orgánica de lo humano.
El proyecto abre así una reflexión sobre la sostenibilidad no solo como práctica, sino como forma de pensamiento: una manera de habitar el cuerpo desde la conciencia de su fragilidad y su pertenencia al entorno.
